ANDREW WARHOLA

Andrew Warhola( 6 de agosto de 1928-22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

Andy Warhol nació en Pittsbrurgh, Pennsylvania, 1 tercer hijo del matrimonio de clase obrera entre Andrij Warhola y Ulja (Julia) Warhola. Sus padres eran inmigrantes de etnia rusyn, originarios de Miková. El señor Warhol padre habría emigrado a los Estados Unidos en 1914, y trabajaba en la minería de carbón. La madre se reunió con él en 1921, tras la muerte de los abuelos de Andy. Sus dos hermanos mayores habían nacido en Europa. La familia vivió en el 55 de la calle Beeelen, y posteriormente en el 3252 de Dawson Street, en el barrio de Oakland, el Pittburgh. La familia era creyente del rito católico bizantino, y asistía al templo católico bizantino de San Juan Crisóstomo.

En tercero de primaria, Warhol sufría de corea de Sydenham (también llamado de baile San vito), una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades, que se cree relacionada con la escarlatina, ésta provoca desórdenes en la pigmentación de la piel. El joven Andy fue desde entonces un hipocondríaco, y desarrolló auténtico pavor a los doctores y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre.

SU OBRA

Latas de sopa Campbell (cuyo título original en inglés es Campbell's Soup Cans), también conocida como 32 latas de sopa Campbell.

Consiste en treinta y dos lienzos, y con una pintura de una lata de sopa Campbell cada una de las variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época. Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de serigrafía. El apoyo de Campbell's Soup Cansen temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.

OPINION

He elegido este cuadro porque me ha parecido un tanto extraño, que un pintor importante se dedica a pintar latas de sopas.

obra cojida de wikipedia.com

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ANTONIO LOPEZ

Antonio López García( Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.

Nació meses antes del inicio de la Guerra Civil. Es el mayor de cuatro hermanos, sus padres eran labradores acomodados del importante núcleo manchego que era Tomelloso. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura. En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comezó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocia, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Velázquez.

En 1961 se unió en matrimonio a la pintora María Moreno, del que nacieron dos hija: María en 1962 y Carmen en 1965.

SU OBRA

Uno de los cuadros que más me gusta e impresiona es Gran Vía, óleo de 1981, en el que la ciudad se despliega en un trazo a la vez firme y tembloroso, descubriéndonos a Madrid desde el esplendor de su condición de urbe. En este cuadro se destaca una composición detallista y una perspectiva digna de una fotografía, que si uno lo mira como al pasar, fácilmente puede confundirla.

López García dice de su pintura que “una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades”, por ejemplo cuando está pintando una calle, lo que estás viendo es tan extraordinariamente impresionante que a mí, desde luego, me cuesta muchísimo trasladar una parte de aquello. Eso es lo que me hace tardar tanto. Yo no puedo resolver todo ese espectáculo con rapidez“.

OPINION

He elegido este cuadro porque me ha parecido muy bonito, y representa el centro de la ciudad de Madrid.

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WILLEM DE KOONING

Willem de Kooning (Rotterdam; 24 de abril de 1904- Long Isaln; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidence.

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstrato del seno de esta tendencia, sigue la actión painting o pintura gestual.

Los padres del pintor, Leendert de Kooning y Cornelia Nobel, se divorciaron cuando tenia unos conco años de edad, y fue criado por su madre y un padrastro. En 1916 entró como aprendiz en una firma de artistas y decoradores comerciales, y, por la misma época, asistió a clases nocturnas en la Academia de Rotterdam de Bellas Artes, donde estudió durante ocho años. En 1926 emigró clandestinanmente a los Estados Unidos, en el barco británico Ss Shelly, hasta Newport, Virginia.

Al final se estableció en Hoboken, Nueva Jersey, donde se ganó la vida como pintor de casas.

Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de Paris y mexicanas. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas.

En octubre de 1935 de Kooning empezó a trabajar para WPA, un proyecto de arte del gobierno federal.

En 1938 conoció a Elaine Marie Fried, luego conocida como Elaine de Kooning, con quien se casó en 1943. Tambien ella fue una artista significativa.

Durante los años cuarenta y después, se fue identificando cada vez más con el movimiento expresionista abstracto y fue reconocido como uno de sus líderes a mediados de los años cincuenta.

En 1946, demasiado pobre para comprar pigmentos de artista, se volvió al blanco y negro en mezclas caseras para pintar una serie de grandes abstracciones.

Tuvo su primer exposición individual, que consistía en composiciones en blanco y negro.

A partir de entonces se convirtió en una figura sobresaliente de la vanguardia artística.

OBRA

Este cuadro hizo algo por mí, escribió el propio de Kooning. Eliminó la composición, el orden, las relaciones, la luz, toda esa charla absurda sobre la lines, el color y la forma...En efecto, más allá de la fuerza terrible y despiadada que exhiben estas mujeres de diosas negras las calificó T.

OPINION

He elegido esta imagen porque me ha parecido un tanto raro de la forma que esta la mujer dibuja y por sus colores que son muuy apagados.

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ANTONI TÁPIES

Antoni Tapies Puig, marques de Tapies (Barcelona, 13 de diciembre de 1923) es un pintor, escultor y teorico del arte español.Uno de los principales a nivel mundial del informalismo , esta considerado como uno de los mas destacados artistas españoles del sigloXX.

De formacion autodidacta, Tapies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combina la tradicion y la innovación dentro de un estilo abstrato pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. La obra de Tapies ha tenido una gran valoración a nivel internacional.

Tapies es hijo del abogado Josep Tapies Mestre y de Maria Puig Guerra hija de una familia de politicos catalanistas. La profeción de su padre y las relaciones de su familia materna con miembros de la vida politica catalana propiciaron un ambiente liberal durante la infancia del artista. Tapies siembre ha remarcado que la confrontación entre el anticlericalismo de su padre y el catolicismo de su madre le llevaron a una búsqueda personal de una nueva espiritualidad, que encontró en las filosofías y religiones orientales, principalmente el budismo zen.

Uno de los hechos que marcaron su vida fue su convalecencia por tisis a los 18 años, circunstacia que le hizo replantearse el sentido de su vida.

Compaginó sus estudios de derecho en la Universidad de Barcelona, que había iniciado en 1943, con su pasión por el arte. Finalmente se decantó por la pintura.

En 1948 fue uno de los fundadores del movimiento conocido como Dau al Set, relacionado con el surrealismo y el dadaísmo.

En los años 1970 su obra adquirió un mayor tinte político, de reivindicación catalanista y de oposición al régimen franquista, generalmente con palabras y signos sobre los cuadros, como las cuatros barras de la bandera catalana.

OBRA

Como en todo primitivismo, en Zoom (1946) se expresa un rechazo de la civilización moderna; y se manifiesta un deseo de volver a un mundo preindustrial, donde se presupone una relación con la naturaleza más íntima. Lo que parece un rostro humano es girado al revés y de él se hacen salir una seria de rayos luminosos. De este modo, materia y forma parecen fundirse en un continuo único. El rostro es deshumanizado adquiriendo la forma de un ser astral, que parece anterior no solo a la civilización industrial, así como en el empleo simultáneo de dos modos de representación, el icónico (rostro) e índico (huellas de las manos), y en el uso de los materiales, esta obra es precedente directo de las pinturas matéricas.

OPINIÓN

He elegido esta imagen porque me ha perecido un tanto extraña porque es un dibujo muy raro, tiene unos colores bonitos y claros.

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FERNANDO BOTEO

Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Antioquia). Considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo. Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual.

De pequeño fue inscrito en un liceo de torero de la ciudad de Medellín (noroeste de Colombia) a petición de un tío, quién no se imaginaba que su verdadera vocación era la pintura; Tuvo un percance con los toros lo que hizo que él los dejara. Una vez que su familia comprendió su vacación, Botero realizó su primera exposición en su ciudad natal en 1948.

De regreso a Medellín, realizó ilustraciones para uno de los periódicos locales, lo que le acarreó la expulsión del plantel en el que estudiaba, ya que sus dibujos eran considerados como obscensos.

SU OBRA

La corrida (1985), que viajo por Europa y Estados Unidos. La corrida recoge toda la experiencia global del Botero pintor; es un universo particular en el que sin mayor esfuerzo podrían reconocerse resonancias de todos los universos particulares que ya ha creado Botero: el universo particular del poder de sus familias presidenciales y sus generales, el universo particular de la gracia y el pecado con sus episodios de santos, obispos,demonios y casas de citas; el universo particular colombiano con sus bodegones y paisajes y festejos nacionales; el universo particular del arte, del cual se nutre constantemente y al cual se refiere una y otra vez toda su obra.

OPINIÓN

He elegido este cuadro de Fernando Botero porque siempre pinta los cuadros con personas gordas aunque tiene unos cuadros bonitos, el cuadro tiene colores que no son apagados, el cuadro parece muy andaluz.

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JOAN MIRÓ

Joan Miró i Ferrà, pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.

Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor.

Joan Miró nació en 1893, en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, donde su padre Miquel Miró i Adzeries, hijo de un herrero de Cornudella, tenía un taller de orfebrería y relojería. Allí conoció a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje del Crédito, donde nacieron sus dos hijos Joan y Dolors.

Se casó con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre de 1929, y se instalaron enParís en un apartamento con suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la pareja tuvo su única hija, Dolors. Al quedar libre del contrato con su marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a Barcelona, realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Mont-roig. Se encontraba en esta última población cuando estalló la guerra civil española de 1936. En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allí y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundialel ambiente en París era cada vez más tenso.En la primavera de 1940,junto con Pilar decidió volver aCataluña y después de una pequeña temporada, la familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí no era nada más que «el marido de la Pilar». En el año 1942 retornó a Barcelona.

Falleció en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 y fue enterrado en el Cementerio de Montjuïc, en Barcelona.

SU OBRA

“Lo pinté en mi taller de la Rue Blomet. Mis amigos de aquel entonces eran los surrealistas. Intenté plasmar las alucinaciones que producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como propugnaban entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una especie de trance, parecido al que experimentan los orientales.

Entonces realizaba dibujos preparatorios del plan general de la obra, para saber en que sitio debía colocar cada cosa. Después de haber meditado mucho lo que me proponía hacer, comencé a pintar y sobre la marcha introducía todos los cambios que creía convenientes. Reconozco que El Bosco me interesaba mucho, pero yo no pensaba en él cuando trabajaba en “El Carnaval”.

En la tela aparecen ya elementos que se repetirán después en otras obras: la escalera que es la de la huída y la evasión, pero también la de la elevación, los animales y sobre todo los insectos, que siempre me han interesado mucho.

La esfera oscura que aparece a la derecha es una representación del globo terráqueo, pues entonces me obsesionaba ya una idea: “¡Tengo que conquistar el mundo!”. El gato, que lo tenía siempre junto a mí cuando pintaba.

El triángulo negro que aparece en la ventana representa la Torre Eiffel. Trataba de profundizar el lado mágico de las cosas. Por ejemplo, la coliflor tiene una vida secreta y eso era lo que a mi me interesaba y no su aspecto exterior.

Durante ese año frecuenté mucho la compañía de los poetas porque pensaba que era necesario ir más allá del “hecho plástico” para alcanzar la poesía”.

MI OPINION

He elegido este cuadro porque me ha parecido muy curioso por todas las cosas que tiene y porque es un cuadro bonito, lo que pasa es que tiene muchas cosas diferentes y muy raras, y respecto al color son colores claros y oscuros y mezclados.

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KAZIMIR MALÉVICH

Kazimir Severínovich Malévich,fue un Pintor ruso, creador del Suprematismo.Su padre era supervisor en refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente.En Parjómovka, Kazimir completa los cinco años de Escuela de Agricultura; le gusta el campo y aprende por sí mismo a pintar los paisajes y los campesinos que le rodean.En Konotop se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra. A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev.En 1886 la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través de reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Ilya Repin, dos pintoresnaturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Los Itinerantes.Empieza a pensar que su misión como artista es representar la naturaleza lo más objetivamente posible.oye hablar de las Escuelas de San Petesburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarse académicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pintura del natural, se hace cada vez más impresionista.En conjunto, estos trabajos producen una impresión estática y extraña, lo que sería más adelante el contenido típico de Malévich, la expresión de sus ideas esenciales (Sarabianov).

A su llegada a Moscú, visita la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. En la primavera de 1905 vuelve a Kursk y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidad Neoimpresionista.

Vuelve a Moscú en otoño y toma parte en la Batalla de las Barricadas. Su primera exposición tiene lugar en 1907.

En 1908, se advierte en su obra un interés creciente por los iconos rusos y el arte popular,este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos del estilo moderno, Malévich evidencia las influencias delFauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es el Neoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el que retrata campesinos trabajando en los campos.

En 1909 se casa con Sofía Rafalovich.

En 1910 participa en una serie de exposiciones organizadas por Lariónov y Goncharova.

En 1911 muestra en el Primer Salón de Moscú tres series de obras (amarillo, blanco y rojo) en las que intenta integrar sus experimentos con el color en un nuevo sistema. 1911 es también el año de su época cubista, de un cubismo ortodoxo cercano al del Braque y Picasso. En 1912 pinta Afilador, donde combina sus método personal con los del Futurismo.

Malévich presenta un gran grupo de obras neoprimitivistas, con la vida campesina y la naturaleza como tema central.

En 1914 participa con varias obras en el Salón de los Independientes de París.

En 1915 participa en el exposición Tranvía V: Primera Exposición Futurista en Petrogrado con Mujer en el tranvía y Caballero en Moscú 1915 es el año del nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su propio trabajo en la segunda exposición futurista, también llamada 0,10; en esta exposición cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado Negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.

Publica un pequeño folleto que titula Desde el Cubismo al Suprematismo en Arte.

Con el Suprematismo, Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo.

En 1916 continúa con sus actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Ivan Puni, otro suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo , el Futurismo y el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural es la base del Cubo-Futurismo.

SU OBRA

Entre 1912 y 1915 se suma al naciente futurismo ruso -David Burliuk, Kruchenij, Jlebnikov y Maiakovski publican en 1912 Bofetada al gusto público, su primer manifiesto-, aunque él prefiera identificarse como cubofuturista. Será en 1913 cuando su actividad vanguardista se acentúe con la publicación de un nuevo manifiesto y, sobre todo, con el estreno de Victoria sobre el sol, ópera futurista con libreto de Kruchenij, música de Matiuchin y decorados y figurines del propio Malevich que prefiguran ya el suprematismo. Malevich comparte las experiencias relativas al zaum, lengua "transmental" y arbitraria, despojada por completo de significados, que practican por entonces poetas como Jlebnikov y Kruchenij. Estas experiencias alógicas serán el puente entre algunos de los más importantes cuadros cubofuturistas -Un inglés en Moscú o El aviador ambos de 1914- y el suprematismo. Su obra empieza a difundirse en el extranjero: en 1912 Kandinsky lo invita a la segunda exposición de El Jinete Azul en Munich y, en 1914, tres de sus cuadros cubofuturistas se exponen en los Independientes de París.

MI OPINION

He elegido este cuadro porque me ha parecido muy raro y abstracto por las formas del dibujo y las letras que hay escrita por hay al lado de la cara esa rara. El cuadro es bonito y tiene unas mezclas de colores entre oscuros y claros que lo hace bonito a la vista, aunque no se sepa bien lo que el pintor haya querido decir en el.

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SALVADOR DALÍ

Salvador Dalí fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Su nombre completo era Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech.

Dalí es conocido por sus impactante y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los "relojes blandos", realizada en 1931. Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al nacisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública.

Salvador Dalí nació a las 8:45 horas del 11 de mayo de 1904, en el número 20 de la calle Monturiol, en Figueras, provincia de Gerona, en la comarca catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con Francia. El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador(nacido el 12 de octubre de 1901) había muerto de un "catarro gastroenterítico infeccioso" unos nuve meses antes por lo que decidieron ponerle el mismo nombre. Esto marcó mucho al artista posteriormente, quién llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto. Su padre, Salvador Dalí i Cusí, era abogado de clase media y notario, de carácter estricto suavizado por su mujer Felipa Domenech Ferrés, quien alentaba los intereses artísticos del joven Salvador. Con cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron que él era su reencarnación, una idea que él llegó a creer. De su hermano.

Dalí también tuvo una hermana, Ana María, tres años más joven que él . En 1949 ella publicó un libro sobre su hermano, titulado "Dalí visto por su hermana". En su infancia, Dalí trabó amistad con futuros jugadores del F.C.Barcelona, como Emilio Sagi Liñán o Josep Samitier. En época de vacaciones, en el floreciente Cadaqués, el trío pasaba mucho tiempo jugando al fútbol.

En 1916, descubre la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoce a la familia de Ramon Pichot, un artista local que viajaba regularmente a París, la capital del arte del momento. Siguiendo los consejos de Pichot, su padre lo envía a clases de pintura con el maestro Juan Núñez. Al año siguiente, su padre organizó una exposición de sus dibujos al carboncillo en la casa familiar. A la edad de catorce años Dalí participó en una exposición colectiva de artistas locales en 1919 en el teatro municipal de Figueras y en otra enBarcelona, auspiciada por la Universidad en la que recibió el premio Rector de la Universidad.

En febrero de 1921, su madre murió a consecuencia de un cáncer de mama. Dalí contaba con 16 años. Sobre la muerte de su madre diría más tarde que fue "el golpe más fuerte que he recibido en mi vida. Le adoraba. No podía resignarme a la pérdida del ser en quien contaba para hacer invisibles las inevitables manchas de mi alma..." Tras su muerte, el padre de Dalí contrajo matrimonio con la hermana de su esposa fallecida. Dalí no se quejó por este matrimonio, pues tenía un gran amor y respeto por su tía.

SU OBRA

Paisajes, reflexiones en el vidrio y una persona. La luz en la parte posterior de la muchacha (Ana María, su hermana) resalta una de las formas preferidas por Dalí. El paisaje visto por la ventana es la bahía de Cadaqués, donde Dalí solía pasar temporadas durante el verano. García Lorca conservó particulares recuerdos de la vista desde esa ventana al despertarse, describió su estancia en Cadaqués, como maravillosa, como un hermoso sueño. Salvador y Ana María eran muy unidos, particularmente a raíz de la muerte de su madre. Ana María fue su única modelo hasta que Gala la sustituyese en 1929. Luego que Ana María en un libro describiera a su hermano de una manera que a éste no le agradó, Dalí creó otra versión de este cuadro con el título “Joven virgen sodomizada por su propia castidad”(1954).

MI OPINION

Me parece un cuadro muy bonito por que es una mujer asomada en una ventana que esta mirando el mar. Tiene unos colores bonito porque no son ni tan claros ni tan oscuros asin el cuadro es más bonito, es muy romantico porque ver el mar.

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DUCHAMP

Artista y ajedrecista francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, y era hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del pintor Jacques Villon. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia e hizo su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera (1912, Museo de Arte de Filadelfia), en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. La pintura causó furor en el Armory Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran espejo. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX, el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido, tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado, aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art. En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense.

SU OBRA

Una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando una escalera de Duchamp son iconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dada, en los que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces. La interpretación del cuerpo humano como una máquina en movimiento es una idea puramente futurista en la que el desarrollo de la cronofotografía y los comienzos de la cinematografía tuvieron mucho que ver. Poco después de estas composiciones, Duchamp comenzaría su periodo más dada, con sus ready-made y sus icónicas fuentes-orinales.

OPINION

He elegido esta obra porque me ha parecido bonita y muy rara la forma del dibujo.Y tiene unos colores muy oscuros para mi gusto y ¿que se supone que es ese cuadro?yo a ese cuadro no le veo nada de ninguna figura ni nada es que es muy raro, ero de lo raro que es tiene algo que es bonito.

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GIORGIO DE CHIRICO

Giorgio de Chirico nació en Volos, Grecia; 10 de Julio de 18888,fue pintor italiano nacido en Grecia de padres italianos. De Chirico es reconocido entre otras cosas por haber fundado el movimiento artístico scuola matafisica.
Estudio arte en Atenas y Florencia, antes de mudarse a Alemania en 1906, donde ingresó a la Academia de Bellas Artes de Múnich. A principios de 1910 se mudó a Florencia nuevamente, donde pintó "El enigma de una tarde de otoño", la primera de sus obras de la serie "Plaza metafística", después de una experiencia personal en Piazza Santa Croce. De Chrico pasó algunos días en Turín, de camino a París, y quedó impresionado por lo que llamó " el aspecto metafísico de Turín" que se apreciaba en la arquitectura de sus arcadas y plazas. De Chirico vivió en París hasta su alistamiento en el ejército en mayo de 1915, durante la Primera Guerra Mundial.
Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el período metafísico. Las obras destacan por las imágenes que evocan ambientes sombrios y abrumadores.
Casi de inmediato, el escritor Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y lo ayudó a presentarlo al grupo que más tarde se dedicaría al surrealismo. Otros artistas que han reconocido la influencia que han recibido de Giorgio de Chirico son Max Ernst, Salvador Dalí y René Magritte. Se considera a De Chirico una de las mayores influencias sobre el movimiento surrealista.
De Chirico abandonó posteriormente el estilo metafísico y realizó varias obras con un mayor realismo, las cuales tuvieron un éxito modesto. De Chirico también publicó una novela en 1925, llamada "Hebdómero, el Metafísico".
Giorgio De Chirico murió en Roma el 20 de Noviembre de 1978.


SU OBRA
EL ENIGMA DE LA HORA
El enigma de la hora es una pintura del artista italo-griego Giorgio de Chirico. Fue creada en sus inicios como pintor metafísico cuando intentaba plasmar la islas de edificios y otros entornos urbanos.
El cuadro muestra una escena urbana de arquitectura clásica con iluminación angular, uno de los entornos típicos de Chirico. Varias figuras alrededor de la escena aparecen difuminadas, dando un sentido de ausencia. Un gran reloj culmina el entorno, marcando las tres menos
cinco.

MI OPINION

He elegido esta obra porque me ha parecido algo muy original, el cuadro parece muy bonito por los colores y el reloj en el edificio ese y las personas que estan mirando el reloj.

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PABLO PICASSO

Pablo Ruiz Picasso fue un pintor y escultor español, junto con Georges Braques y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX. En los político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Neopomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso(según su certificado de nacimiento) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso(según su partida de bautismo), fue el primer hijo de Nicolas Moreno Alva y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, en el seno de una famila pequeñoburguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores(1884-1958) y Concepción(1887-1895).
De Nicolas Moreno Alva se sale se sabe que quiso ser pintor y fue profesor de dibujo en la escuela de Málaga llamada San Telmo. De la madre se conoce poco. Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923.
Picasso comenzó a pintar desde edad temprana. En 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó el pequeño picador, su primera pintura al óleo de la que siempre se negó a separarse.
En 1891, la familia abandonó Málaga , cuando el padre fue nombrado profesor en el Instituto de La Coruña.
El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Lonja, Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años.
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, y se le permitió saltarse las dos primeras clases.


SU OBRA:
LOS SALTIMBANQUIS

En la primavera de 1905 una de sus principales obras de ese año, una clara evolución h

acia la época rosa; un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya vida solitaria impresionaba a Picasso.

MI OPINION

He elegido este cuadro porque es una familia del circo, y porque se quedaron solos perdido. Y el cuadro me parece un poco triste por los colores tan apagados que tiene pero a la vez me parece bonito por su historia.

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VAN GOGH

Vicent Willem Van Gogh fue un pintor holandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. La figura central en su vida fue su hermano menor, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero.
La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose una de los grandes maestros de la pintura.
Era el mayor de seis hermanos. Nació en Zurdert Brabante Septentrional, el 30 de marzo de 1853. Era hijo de un austero y humilde pastor protestante holandés, Theodorus Van Gogh, y de Anna Cornelia Carbentus. Recibió los mismos nombres-Vicent Willem- que se impusieron a un hermano que nació muerto justo al año antes que él, el mismo 30 de marzo, como si fuera un presagio de su original y atormentada existencia. Cuatro años después, el 1 de mayo de 1857, nació su hermano Theodorus. Tuvo también otro hermano llamado Cornelis Vicent y tres hermanas: Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhermina Jacoba.
Durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular, sus padres le enviaron a diversos internados, el primero en Zevenbergen el año 1864 y más tarde en 1866 a Tilburg dejando los estudios de manera definitiva a los 15 años. Aunqueno fue buen estudiante, allí empezó a aficionarse a la pintura. Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta.

SU OBRA:

Campos de Cordeville, en Auvers-sur-Oise (en francés, Chaumes de Cordeville à Auvers-sur-Oise) es un cuadro del pintor holandés Vincent van Gogh. Fue pintada en junio de 1890, por lo tanto, poco antes de su suicidio, pues se disparó en el pecho el 27 de julio, muriendo dos días después. Está pintada al óleo sobre tela con unas dimensiones de 72 cm x 91 cm. Se conserva en el Museo de Orsay de París, Francia.

Camille Pissarro sugirió a su amigo que marchase a Auvers-sur-Oise, un pueblo no muy lejos de París, para recuperarse después de la experiencia en el manicomio. Este es el primer cuadro que pintó después de su recuperación.

Se nota un uso particular de los colores fríos como los verdes, los azules y el violeta: los colores cálidos característicos de las obras precedentes son escasos. Los árboles y la hierba parecen movidos por un fuerte viento y las nubes recuerdan las formas de arremolinadas de La noche estrellada. La casa parece desaparecer en medio del verde dominante.

, es un cuadro del pintor holandés. Fue pintada en junio de 1890, por lo tanto, poco antes de su suicidio, pues se disparó en el pecho el 27 de julio, muriendo dos días después. Está pintada al óleo sobre tela con unas dimensiones de 72 cm x 91 cm. Se conserva en el Museo de Orsay de París, Francia.

Camille Pissarro sugirió a su amigo que marchase a Auvers-sur-Oise, un pueblo no muy lejos de París, para recuperarse después de la experiencia en el manicomio. Este es el primer cuadro que pintó después de su recuperación.

Se nota un uso particular de los colores fríos como los verdes, los azules y el violeta: los colores cálidos característicos de las obras precedentes son escasos. Los árboles y la hierba parecen movidos por un fuerte viento y las nubes recuerdan las formas de arremolinadas de La noche estrellada. La casa parece desaparecer en medio del verde dominante.

MI OPINION

Es un cuadro bonito, porque representa a la naturaleza de una forma muy bonita y muy simple. Y por que tiene unos colores muy bonitos y por que me ha llamado la atención por que es muy bonito.

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