domingo, 23 de mayo de 2010

ANDREW WARHOLA


Andrew Warhola( 6 de agosto de 1928-22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

Andy Warhol nació en Pittsbrurgh, Pennsylvania, 1 tercer hijo del matrimonio de clase obrera entre Andrij Warhola y Ulja (Julia) Warhola. Sus padres eran inmigrantes de etnia rusyn, originarios de Miková. El señor Warhol padre habría emigrado a los Estados Unidos en 1914, y trabajaba en la minería de carbón. La madre se reunió con él en 1921, tras la muerte de los abuelos de Andy. Sus dos hermanos mayores habían nacido en Europa. La familia vivió en el 55 de la calle Beeelen, y posteriormente en el 3252 de Dawson Street, en el barrio de Oakland, el Pittburgh. La familia era creyente del rito católico bizantino, y asistía al templo católico bizantino de San Juan Crisóstomo.
En tercero de primaria, Warhol sufría de corea de Sydenham (también llamado de baile San vito), una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades, que se cree relacionada con la escarlatina, ésta provoca desórdenes en la pigmentación de la piel. El joven Andy fue desde entonces un hipocondríaco, y desarrolló auténtico pavor a los doctores y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre.


SU OBRA
Latas de sopa Campbell (cuyo título original en inglés es Campbell's Soup Cans), también conocida como 32 latas de sopa Campbell.
Consiste en treinta y dos lienzos, y con una pintura de una lata de sopa Campbell cada una de las variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época. Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de serigrafía. El apoyo de Campbell's Soup Cansen temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.

OPINION
He elegido este cuadro porque me ha parecido un tanto extraño, que un pintor importante se dedica a pintar latas de sopas.

obra cojida de wikipedia.com
vida de wikipedia.com

sábado, 22 de mayo de 2010

ANTONIO LOPEZ


Antonio López García( Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.

Nació meses antes del inicio de la Guerra Civil. Es el mayor de cuatro hermanos, sus padres eran labradores acomodados del importante núcleo manchego que era Tomelloso. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura. En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando.
En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comezó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocia, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Velázquez.
En 1961 se unió en matrimonio a la pintora María Moreno, del que nacieron dos hija: María en 1962 y Carmen en 1965.


SU OBRA

Uno de los cuadros que más me gusta e impresiona es Gran Vía, óleo de 1981, en el que la ciudad se despliega en un trazo a la vez firme y tembloroso, descubriéndonos a Madrid desde el esplendor de su condición de urbe. En este cuadro se destaca una composición detallista y una perspectiva digna de una fotografía, que si uno lo mira como al pasar, fácilmente puede confundirla.

López García dice de su pintura que “una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades”, por ejemplo cuando está pintando una calle, lo que estás viendo es tan extraordinariamente impresionante que a mí, desde luego, me cuesta muchísimo trasladar una parte de aquello. Eso es lo que me hace tardar tanto. Yo no puedo resolver todo ese espectáculo con rapidez“.


OPINION

He elegido este cuadro porque me ha parecido muy bonito, y representa el centro de la ciudad de Madrid.


obra cojida de www.artespain.com

vida de wikipedia.com

martes, 18 de mayo de 2010

WILLEM DE KOONING


Willem de Kooning (Rotterdam; 24 de abril de 1904- Long Isaln; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidence.
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstrato del seno de esta tendencia, sigue la actión painting o pintura gestual.
Los padres del pintor, Leendert de Kooning y Cornelia Nobel, se divorciaron cuando tenia unos conco años de edad, y fue criado por su madre y un padrastro. En 1916 entró como aprendiz en una firma de artistas y decoradores comerciales, y, por la misma época, asistió a clases nocturnas en la Academia de Rotterdam de Bellas Artes, donde estudió durante ocho años. En 1926 emigró clandestinanmente a los Estados Unidos, en el barco británico Ss Shelly, hasta Newport, Virginia.
Al final se estableció en Hoboken, Nueva Jersey, donde se ganó la vida como pintor de casas.
Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de Paris y mexicanas. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas.
En octubre de 1935 de Kooning empezó a trabajar para WPA, un proyecto de arte del gobierno federal.
En 1938 conoció a Elaine Marie Fried, luego conocida como Elaine de Kooning, con quien se casó en 1943. Tambien ella fue una artista significativa.
Durante los años cuarenta y después, se fue identificando cada vez más con el movimiento expresionista abstracto y fue reconocido como uno de sus líderes a mediados de los años cincuenta.
En 1946, demasiado pobre para comprar pigmentos de artista, se volvió al blanco y negro en mezclas caseras para pintar una serie de grandes abstracciones.
Tuvo su primer exposición individual, que consistía en composiciones en blanco y negro.
A partir de entonces se convirtió en una figura sobresaliente de la vanguardia artística.

OBRA
Este cuadro hizo algo por mí, escribió el propio de Kooning. Eliminó la composición, el orden, las relaciones, la luz, toda esa charla absurda sobre la lines, el color y la forma...En efecto, más allá de la fuerza terrible y despiadada que exhiben estas mujeres de diosas negras las calificó T.


OPINION
He elegido esta imagen porque me ha parecido un tanto raro de la forma que esta la mujer dibuja y por sus colores que son muuy apagados.

wikipedia.com

lunes, 17 de mayo de 2010

ANTONI TÁPIES


Antoni Tapies Puig, marques de Tapies (Barcelona, 13 de diciembre de 1923) es un pintor, escultor y teorico del arte español.Uno de los principales a nivel mundial del informalismo , esta considerado como uno de los mas destacados artistas españoles del sigloXX.
De formacion autodidacta, Tapies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combina la tradicion y la innovación dentro de un estilo abstrato pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. La obra de Tapies ha tenido una gran valoración a nivel internacional.
Tapies es hijo del abogado Josep Tapies Mestre y de Maria Puig Guerra hija de una familia de politicos catalanistas. La profeción de su padre y las relaciones de su familia materna con miembros de la vida politica catalana propiciaron un ambiente liberal durante la infancia del artista. Tapies siembre ha remarcado que la confrontación entre el anticlericalismo de su padre y el catolicismo de su madre le llevaron a una búsqueda personal de una nueva espiritualidad, que encontró en las filosofías y religiones orientales, principalmente el budismo zen.
Uno de los hechos que marcaron su vida fue su convalecencia por tisis a los 18 años, circunstacia que le hizo replantearse el sentido de su vida.
Compaginó sus estudios de derecho en la Universidad de Barcelona, que había iniciado en 1943, con su pasión por el arte. Finalmente se decantó por la pintura.
En 1948 fue uno de los fundadores del movimiento conocido como Dau al Set, relacionado con el surrealismo y el dadaísmo.
En los años 1970 su obra adquirió un mayor tinte político, de reivindicación catalanista y de oposición al régimen franquista, generalmente con palabras y signos sobre los cuadros, como las cuatros barras de la bandera catalana.


OBRA
Como en todo primitivismo, en Zoom (1946) se expresa un rechazo de la civilización moderna; y se manifiesta un deseo de volver a un mundo preindustrial, donde se presupone una relación con la naturaleza más íntima. Lo que parece un rostro humano es girado al revés y de él se hacen salir una seria de rayos luminosos. De este modo, materia y forma parecen fundirse en un continuo único. El rostro es deshumanizado adquiriendo la forma de un ser astral, que parece anterior no solo a la civilización industrial, así como en el empleo simultáneo de dos modos de representación, el icónico (rostro) e índico (huellas de las manos), y en el uso de los materiales, esta obra es precedente directo de las pinturas matéricas.

OPINIÓN
He elegido esta imagen porque me ha perecido un tanto extraña porque es un dibujo muy raro, tiene unos colores bonitos y claros.

wikipedia.com

sábado, 15 de mayo de 2010

FERNANDO BOTEO


Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Antioquia). Considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo. Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual.

De pequeño fue inscrito en un liceo de torero de la ciudad de Medellín (noroeste de Colombia) a petición de un tío, quién no se imaginaba que su verdadera vocación era la pintura; Tuvo un percance con los toros lo que hizo que él los dejara. Una vez que su familia comprendió su vacación, Botero realizó su primera exposición en su ciudad natal en 1948.
De regreso a Medellín, realizó ilustraciones para uno de los periódicos locales, lo que le acarreó la expulsión del plantel en el que estudiaba, ya que sus dibujos eran considerados como obscensos.


SU OBRA
La corrida (1985), que viajo por Europa y Estados Unidos. La corrida recoge toda la experiencia global del Botero pintor; es un universo particular en el que sin mayor esfuerzo podrían reconocerse resonancias de todos los universos particulares que ya ha creado Botero: el universo particular del poder de sus familias presidenciales y sus generales, el universo particular de la gracia y el pecado con sus episodios de santos, obispos,demonios y casas de citas; el universo particular colombiano con sus bodegones y paisajes y festejos nacionales; el universo particular del arte, del cual se nutre constantemente y al cual se refiere una y otra vez toda su obra.

OPINIÓN
He elegido este cuadro de Fernando Botero porque siempre pinta los cuadros con personas gordas aunque tiene unos cuadros bonitos, el cuadro tiene colores que no son apagados, el cuadro parece muy andaluz.

www.biografiasyvidas.com
wikipedia.com

miércoles, 17 de marzo de 2010

JOAN MIRÓ



Joan Miró i Ferrà, pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor.
Joan Miró nació en 1893, en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, donde su padre Miquel Miró i Adzeries, hijo de un herrero de Cornudella, tenía un taller de orfebrería y relojería. Allí conoció a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje del Crédito, donde nacieron sus dos hijos Joan y Dolors.
Se casó con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre de 1929, y se instalaron enParís en un apartamento con suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la pareja tuvo su única hija, Dolors. Al quedar libre del contrato con su marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a Barcelona, realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Mont-roig. Se encontraba en esta última población cuando estalló la guerra civil española de 1936. En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allí y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundialel ambiente en París era cada vez más tenso.En la primavera de 1940,junto con Pilar decidió volver aCataluña y después de una pequeña temporada, la familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí no era nada más que «el marido de la Pilar». En el año 1942 retornó a Barcelona.
Falleció en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 y fue enterrado en el Cementerio de Montjuïc, en Barcelona.

SU OBRA

“Lo pinté en mi taller de la Rue Blomet. Mis amigos de aquel entonces eran los surrealistas. Intenté plasmar las alucinaciones que producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como propugnaban entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una especie de trance, parecido al que experimentan los orientales.

Entonces realizaba dibujos preparatorios del plan general de la obra, para saber en que sitio debía colocar cada cosa. Después de haber meditado mucho lo que me proponía hacer, comencé a pintar y sobre la marcha introducía todos los cambios que creía convenientes. Reconozco que El Bosco me interesaba mucho, pero yo no pensaba en él cuando trabajaba en “El Carnaval”.

En la tela aparecen ya elementos que se repetirán después en otras obras: la escalera que es la de la huída y la evasión, pero también la de la elevación, los animales y sobre todo los insectos, que siempre me han interesado mucho.

La esfera oscura que aparece a la derecha es una representación del globo terráqueo, pues entonces me obsesionaba ya una idea: “¡Tengo que conquistar el mundo!”. El gato, que lo tenía siempre junto a mí cuando pintaba.

El triángulo negro que aparece en la ventana representa la Torre Eiffel. Trataba de profundizar el lado mágico de las cosas. Por ejemplo, la coliflor tiene una vida secreta y eso era lo que a mi me interesaba y no su aspecto exterior.

Durante ese año frecuenté mucho la compañía de los poetas porque pensaba que era necesario ir más allá del “hecho plástico” para alcanzar la poesía”.


MI OPINION

He elegido este cuadro porque me ha parecido muy curioso por todas las cosas que tiene y porque es un cuadro bonito, lo que pasa es que tiene muchas cosas diferentes y muy raras, y respecto al color son colores claros y oscuros y mezclados.

zachary-jones.com

KAZIMIR MALÉVICH

Kazimir Severínovich Malévich,fue un Pintor ruso, creador del Suprematismo.Su padre era supervisor en refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente.En Parjómovka, Kazimir completa los cinco años de Escuela de Agricultura; le gusta el campo y aprende por sí mismo a pintar los paisajes y los campesinos que le rodean.En Konotop se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra. A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev.En 1886 la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través de reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Ilya Repin, dos pintoresnaturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Los Itinerantes.Empieza a pensar que su misión como artista es representar la naturaleza lo más objetivamente posible.oye hablar de las Escuelas de San Petesburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarse académicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pintura del natural, se hace cada vez más impresionista.En conjunto, estos trabajos producen una impresión estática y extraña, lo que sería más adelante el contenido típico de Malévich, la expresión de sus ideas esenciales (Sarabianov).
A su llegada a Moscú, visita la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. En la primavera de 1905 vuelve a Kursk y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidad Neoimpresionista.
Vuelve a Moscú en otoño y toma parte en la Batalla de las Barricadas. Su primera exposición tiene lugar en 1907.
En 1908, se advierte en su obra un interés creciente por los iconos rusos y el arte popular,este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos del estilo moderno, Malévich evidencia las influencias delFauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es el Neoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el que retrata campesinos trabajando en los campos.
En 1909 se casa con Sofía Rafalovich.
En 1910 participa en una serie de exposiciones organizadas por Lariónov y Goncharova.
En 1911 muestra en el Primer Salón de Moscú tres series de obras (amarillo, blanco y rojo) en las que intenta integrar sus experimentos con el color en un nuevo sistema. 1911 es también el año de su época cubista, de un cubismo ortodoxo cercano al del Braque y Picasso. En 1912 pinta Afilador, donde combina sus método personal con los del Futurismo.
Malévich presenta un gran grupo de obras neoprimitivistas, con la vida campesina y la naturaleza como tema central.
En 1914 participa con varias obras en el Salón de los Independientes de París.
En 1915 participa en el exposición Tranvía V: Primera Exposición Futurista en Petrogrado con Mujer en el tranvía y Caballero en Moscú 1915 es el año del nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su propio trabajo en la segunda exposición futurista, también llamada 0,10; en esta exposición cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado Negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.
Publica un pequeño folleto que titula Desde el Cubismo al Suprematismo en Arte.
Con el Suprematismo, Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo.
En 1916 continúa con sus actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Ivan Puni, otro suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo , el Futurismo y el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural es la base del Cubo-Futurismo.

SU OBRA

Entre 1912 y 1915 se suma al naciente futurismo ruso -David Burliuk, Kruchenij, Jlebnikov y Maiakovski publican en 1912 Bofetada al gusto público, su primer manifiesto-, aunque él prefiera identificarse como cubofuturista. Será en 1913 cuando su actividad vanguardista se acentúe con la publicación de un nuevo manifiesto y, sobre todo, con el estreno de Victoria sobre el sol, ópera futurista con libreto de Kruchenij, música de Matiuchin y decorados y figurines del propio Malevich que prefiguran ya el suprematismo. Malevich comparte las experiencias relativas al zaum, lengua "transmental" y arbitraria, despojada por completo de significados, que practican por entonces poetas como Jlebnikov y Kruchenij. Estas experiencias alógicas serán el puente entre algunos de los más importantes cuadros cubofuturistas -Un inglés en Moscú o El aviador ambos de 1914- y el suprematismo. Su obra empieza a difundirse en el extranjero: en 1912 Kandinsky lo invita a la segunda exposición de El Jinete Azul en Munich y, en 1914, tres de sus cuadros cubofuturistas se exponen en los Independientes de París.



MI OPINION
He elegido este cuadro porque me ha parecido muy raro y abstracto por las formas del dibujo y las letras que hay escrita por hay al lado de la cara esa rara. El cuadro es bonito y tiene unas mezclas de colores entre oscuros y claros que lo hace bonito a la vista, aunque no se sepa bien lo que el pintor haya querido decir en el.


www.wikipedia.com